Sophia Zorzi, nació en Minas Gerais, donde creció junto a los vestigios de la Mata Atlántica, un entorno que en sí mismo parece emanar historias antiguas y mitologías olvidadas. Artista y tejedora, entrelaza estas herencias con sus propias narrativas, creando tapices que van más allá de simples trabajos manuales. Sus obras son mapas sensoriales que exploran la intersección entre lo femenino, el psiquismo humano y las estrellas — un mosaico de culturas, memoria y espiritualidad. Graduada en Diseño de Moda por la UFMG, miembro del colectivo Aranha Arranha y con participaciones en programas como Women@Dior y la beca Alice Brown, Sophia construye un imaginario híbrido que transita entre arte, artesanía y espiritualidad, reflexionando sobre el tiempo, la memoria y el sentido de pertenencia.
Entre ovillos e hilos que parecen dibujar constelaciones, Sophia habla con una calma asertiva sobre su búsqueda de algo más profundo, casi intuitivo. “Siempre he sido una persona de manualidades, siempre he dibujado mucho. Me gustaba mucho materializar mis ideas con la mano, ¿sabes? Entonces, el dibujo, incluso las líneas, siempre han sido muy importantes para mí”, cuenta.
Fue en la facultad de moda, junto a amigos y en las experiencias inesperadas que surgieron durante la pandemia, donde se vio inmersa en las posibilidades del tapiz. Más que una técnica ancestral, encontró en él un medio de expresión que no solo reflejaba, sino que también moldeaba su investigación personal. Con el tiempo, la técnica ancestral se transformó en un lenguaje propio.
“Esta investigación y esta producción cobran cuerpo cuando juntas todas estas esferas: arte, moda y diseño. Con el tiempo esto fue creando realmente un cuerpo y ahí me quedo en medio del camino entre los campos — tanto del diseño, como de las artes visuales, como de la moda.”
MashUp: ¿Cómo surgió tu interés por la tapicería?
Sophia: Cuando comencé a estudiar Moda, ya tenía un gran interés por el artículo textil. Desde temprano, me interesaban los bordados, aplicaciones y estampados. Estas técnicas siempre me atraían, pero la tapicería era algo que todavía no conocía más allá de lo que se sabe comúnmente. En la universidad, fue cuando todo empezó. Un amigo mío, João Marcos Lisboa, estaba haciendo el TFG que era una tapicería, llena de hilos de colores, teñidos naturalmente, y me enseñó varios puntos. Después fue algo que empecé a explorar de forma autodidacta. Aprendí muchas cosas así y creo que eso se refleja también en mi práctica — en cómo pienso y elaboro el proyecto. Fue importante entrar en contacto con lo que es la urdimbre, que es el hilo vertical, y la trama, que es el hilo horizontal que entrelaza todo. Con eso pude entender cómo funciona el proceso y aprendí a tejer en el telar. Ese material, ese conocimiento, fue fundamental para mí. Pero la tapicería en sí es algo muy intuitivo. Cuando empecé, quería explorar todos los puntos posibles. Hoy trabajo con los mismos puntos, porque resuelven de manera muy eficaz la imagen que quiero crear.
MashUp: Usas mucho el azul en tus obras. No sé si es solo mi percepción, pero ese color parece ser una marca en tu trabajo. ¿El azul tiene algún significado especial para ti?
Sophia: Casi todos mis trabajos tienen al menos un poco de azul. Tal vez sea la línea con más variedad de colores. Creo que me gusta esa inmensidad que trae, tanto del cielo como del mar. Parece un color en el que te sumerges, ¿sabes? Quiero comunicar un poco esa sensación que me transmite el azul.
MashUp: ¿Qué simbolismos traes en tus artes, en tu tapicería?
Sophia: Desde muy joven siempre me interesé por la mitología. Recuerdo que tenía libros sobre mitos, y también fue durante la pandemia, cuando estaba desarrollando mi primer proyecto propio, que empecé a sumergirme más profundamente en ese universo. Estaba leyendo Máscaras de Fuego, de Eduardo Galeano, y eso me inspiró a trabajar con máscaras. Tienen algo curioso: son objetos que se pueden llevar puestos, pero al mismo tiempo son misteriosos. Pensaba mucho en ese entrelugar, entre revelar quién eres realmente o esconderte. Entonces, la máscara tiene todo ese misterio. Por esa lectura, esos mitos comenzaron a entrar en mi producción, pero no de forma literal. No quería ilustrar la historia directamente, ¿sabes?
También me interesa mucho la mitología mediterránea antigua, y mi objetivo no es ilustrar escenas específicas, por ejemplo. No es eso. Me gusta pensar más en la sensación que ese mito provoca. Es una forma de reflexionar sobre sentimientos humanos universales, como la fragmentación, la terquedad. Sentimientos difíciles de representar de forma concreta, pero que en la tapicería pueden transformarse en algo más fluido, más abierto. Es casi como si leyera el mito y dejara que se transformara en lo que siento al leerlo. Se convierte en una especie de traducción de mi cuerpo y de mis emociones.
MashUp: Entonces haces una especie de asociación, ¿no? Algo más personal con lo que el mito te provoca…
Sophia: Sí, generalmente hago esas asociaciones. Hay partes de un mito que me recuerdan momentos específicos de mi vida, como cuando me sentí muy fuerte o, al contrario, cuando me sentí vulnerable. Me gusta trabajar esas instancias del sentimiento, acercar lo que es humano, lo que es un cuerpo que siente, que se mueve, que tiene cuestiones. El mito también tiene ese papel, ¿no? No es solo una historia, sino una representación de nuestro repertorio como civilización. Entonces, cuando me apropio del mito, pasa a tener ese aspecto individual para mí, porque es como lo siento, pero también trasciende mi cuerpo, mi tiempo. Es mucho más antiguo que yo.
Los mapas son otro símbolo recurrente en la investigación de Sophia Zorzi, conectando mitología, cartografía y constelaciones. Cuando le preguntan sobre una figura mitológica que llama su atención, menciona a la Hidra. “Ella guía como todas las relaciones, orienta al ser humano en la Tierra”, explica. “Y es una figura inagotable. En el mito de Hércules, cada vez que corta una cabeza de la Hidra, surgen dos en su lugar. Esto tiene mucho que ver con mi proceso creativo: cada vez que creo algo, siento ganas de crear más. Cada obra abre nuevas posibilidades, amplía mi repertorio.”
Pero el fascino por la Hidra no es solo simbólico: “Los héroes de estos mitos siempre enfrentan monstruos que, muchas veces, son figuras femeninas. Esto no era tan evidente para mí al principio, pero después me di cuenta de que esas entidades combatidas —como la Medusa, por ejemplo— son representaciones de lo femenino. Es una forma en que el patriarcado se impone, transformando a las mujeres en amenazas para la jornada del héroe.”
MashUp: ¿Cómo manejas el tiempo de la tapicería en un mundo tan acelerado?
Sophia: El tiempo de la tapicería es lento. A veces, una pieza puede tardar más de un mes en estar lista. Y voy viendo cómo aquello que era solo hilo se transforma, ¿sabes? Los hilos se entrelazan, se convierten en una alfombra, un cuerpo que tiene forma, dimensión y peso. De cierta forma, es como si estuviera registrando el tiempo ahí. Es un desafío, realmente, porque en el mundo de hoy estamos presionados a producir a una velocidad 2.0, ¿no? Pero al mismo tiempo, hay muchas cosas que simplemente no logramos ver en ese ritmo. Como la materia, por ejemplo. Lo pasajero, digital, visual… pero no es materia, no es un objeto físico. Y ver todo eso transformarse en un objeto concreto, de verdad, es algo que me conecta.
MashUp: ¿Y haces bocetos antes o vas creando conforme la tapicería va tomando forma?
Sophia: Cada tapicería tiene un proceso que me enseña mucho en ese sentido. Antes, solía elegir un protagonista, una forma, y comenzaba a trabajar en ella. Luego, hacía dibujos para intentar entender qué me estaba pidiendo la pieza. Siempre pensé que era muy importante “escuchar” el trabajo. Este es un ejercicio constante para mí, entre lo que creía que la pieza iba a ser y lo que realmente se convierte. Hoy en día, aprendí a abrazar más esa transformación. Antes, desarmaba mucho — ah, no me gustó este color, y deshacía todo, lo que hacía que el proceso fuera aún más largo. La búsqueda de la perfección me hacía querer empezar siempre de nuevo, pero la tapicería, a diferencia de la pintura, va creciendo de forma vertical. El proceso es más gradual, y lo que parecía un “error” muchas veces se vuelve parte del proyecto. Al principio, tenía dificultades con eso.
Empecé a usar imágenes digitales para ayudarme a entender mejor lo que quería. Tomaba imágenes antiguas, que son de dominio público, y las editaba en Photoshop. Eso me daba una dirección. En el proyecto en el que estoy trabajando ahora, por ejemplo, tenía una idea inicial, pero al comenzar a trabajar en ella, me di cuenta de que no era lo que quería. Entonces, eso me ayudó a entender cómo la pieza podía transformarse, mientras seguía guiándome por mis referencias. La técnica digital es completamente diferente de la técnica manual, y eso exige una adaptación constante.
Cuando pintaba, tenía un poco más de dificultad en ese sentido, porque la pintura siempre implica añadir una capa más. En la tapicería, la obra va creciendo verticalmente. Llega un punto en que puedes aplicar un bordado o seguir rellenando. En general, pienso mucho en la composición — es una de las cosas más importantes en la creación de una imagen. El equilibrio de la pieza se va ajustando, a veces incluso deshaciendo una parte de abajo para adaptar todo en el lugar correcto. Creo que, por ser una técnica vertical, vas rellenando poco a poco, y eso facilita entender el inicio, el medio y el final del trabajo.
MashUp: ¿Cómo fue la experiencia con tus becas de estudio?
Sophia: Ambas fueron virtuales. Fue justo en el período de la pandemia. Fui becaria de una comunidad internacional y tuve la oportunidad de presentar un trabajo allí. Fue una experiencia muy buena, porque el recibimiento fue increíble, tanto en la preparación para la presentación como en el día de la misma. Fue muy bonito ver cómo estas prácticas suceden en todo el mundo. Cada lugar tiene sus propias características, como los tipos de tejido, los “looms” (que son grupos o métodos específicos), ¿sabes? Por ejemplo, tenemos el “telar mineiro”, el “telar vertical”, el “telar mapuche”, el “telar francés”… En fin, hay una gran diversidad. Pero, en el fondo, la técnica de tejido, la tapicería, tiene una base común entre esos lugares. Fue muy bueno darme cuenta de cómo estas personas involucradas en esas prácticas me acogieron en ese sentido.
La otra beca fue un programa en asociación con la UFMG y Women@Dior en colaboración con la UNESCO. Estaba dedicado a la autonomía, creatividad y sustentabilidad para mujeres en la universidad. Fue muy bueno, un programa de alto nivel. Recibí la invitación para participar virtualmente, lo cual fue bastante interesante. En este formato virtual, sientes que hay cierta distancia, ¿no? Pero, aun así, fue una experiencia enriquecedora.
MashUp: ¿Existe una mayor proyección para la tapicería, especialmente en el sur de Brasil? ¿O sientes que hay más oportunidades en el extranjero?
Sophia: Creo que, especialmente en Brasil, existen algunos concursos e iniciativas, principalmente en el sur, que tienen una proyección más consolidada. Pero, comparando con lo que veo en el extranjero, creo que allá hay más residencias artísticas y programas dedicados a mi área. El mercado del arte fuera de Brasil tiene más posibilidades para artistas que trabajan con tapicería y otras prácticas manuales.
MashUp: ¿Cómo es ser artista hoy en Brasil? ¿Y cómo logran los artistas independientes mantenerse y participar en una comunidad artística?
Sophia: Ser artista en Brasil es un desafío, sin duda. No hay muchos recursos y la estructura de apoyo es limitada. Pero conozco personas que logran salir adelante en ese desafío, creando sus propias estrategias. Yo, por ejemplo, me he colocado en tres sectores diferentes — además de la tapicería, he trabajado con vestuario, con costura, entre otras cosas. Vamos creando estrategias y adaptándonos a las circunstancias. Creo que, para ser artista en Brasil, necesitas tener una buena estrategia y un objetivo claro. A veces, hay que adaptarse e intentar hacer que las cosas sucedan dentro de lo que es posible. Es una montaña rusa. No quiero caer en el romanticismo de pensar que todo es perfecto, pero al mismo tiempo, es una elección de área, ¿no?
Si pudieras colaborar con cualquier artista:
Me gustaría colaborar más con los artistas que me rodean, con las personas que están cerca. Estoy en un momento muy enfocado en pensar cómo mis trabajos pueden conectarse con los de otros, así que estaría muy feliz de colaborar con mis amigos, como Abraão Veloso, que también hace tapicería, João Marcos Lisboa y Luiza Poeira. Creo que esas colaboraciones cercanas tienen algo especial, un intercambio muy enriquecedor. Además, hay algunos artistas que uno termina conociendo virtualmente, por Instagram, y con quienes también me encantaría trabajar. Un ejemplo es Marie-Claire Messouma, que tiene un trabajo increíble. Ella hace tapicería, cerámica, bordados… es un trabajo muy textil que me fascina. Realmente creo que esos intercambios creativos cercanos tienen un valor inmenso, y estoy muy enfocada en eso en este momento de mi trayectoria.
El consejo más raro:
Creo que el consejo más raro que he recibido fue sobre la idea de que necesitaba tener un talento, un don, o estar siempre inspirada para crear. Eso me parecía un atraso, una idea que puede realmente perjudicar a cualquier artista. Cuando una creación no sale como imaginaba, de manera simple, y no llega al resultado que esperaba, eso me enseña algo. Me enseña a continuar, a buscar formas de mejorar y desarrollarme, y a no rendirme. No creo que el talento sea algo innato o que deba esperarse. Para mí, el talento es algo que se desarrolla, que viene con el tiempo y con la práctica. Claro, algunas personas tienen una predisposición natural para ciertas cosas, una habilidad o una paciencia mayor para determinadas actividades, pero eso no es algo fijo. Yo veo el talento más como una habilidad que se perfecciona, una conexión que se va creando con el tiempo.
